Partida Rol por web

Si alguien tiene preferecia por alguno, que hable ahora, o empezaré en el orden en que se estrenaron ^///^

Wowwwwwwwwwwwwwwwwww

me encanta esta imagen ^^

Fantasía... que tiempos, que película mas grande... 

la bella durmiente , la bella y la bestia , hercules y enredados . 

Pues, con motivo de las fechas, he decidido proponer como tema el que yo creo que es uno de los clásicos más famosos y navideños: La Bella y la Bestia (The Beauty and the Beast).

Una de las historias más mágicas, y con un mensaje muy profundo e instructivo, que nos enseña a no dejarnos engañar por las apariencias.

¿A vosotros también os recuerda a estas fechas cada vez que la veis? ¿Cuál es vuestra canción favorita de las que suenan en la película? ¿Qué personaje es el más entrañable? ¿Por qué el príncipe resulta ser más guapo cuando era Bestia (XD)?

¡¡FELICES FIESTAS!!

Mary Poppins cumple hoy 50 años de su estreno ^_^

El "Supercalifragilistico" y Mary Poppins cumplen 50 años
La historia de una niñera de aspecto estricto pero llena de magia ganó cinco Oscar y fue la primera película que utilizó el fondo de pantalla azul para mezclar imágenes reales y animación.

Fue la primera película que utilizó el fondo de pantalla azul para mezclar imágenes reales y animación y ganó cinco Oscar, pero si por algo se recuerda aMary Poppins 50 años después de su estreno es por canciones comoSupercalifragilisticoespialidoso oChim Chim Cher-ee.

Una historia fantasiosa, familiar y tierna que le dio a Julie Andrews su primer y único Óscar por el papel de una niñera de aspecto estricto pero llena de magia en su interior y capaz de transformar un mundo oscuro en un paseo lleno de color y música.

Basada en una serie de libros de la británico-australiana Pamela Lyndon Travers, la adaptación a la gran pantalla de las historias de la niñera Mary Poppins fue un empeño personal de Walt Disney, que tuvo que esforzarse mucho para conseguirlo.

Una batalla contra los requisitos disparatados de Travers que el creador de los estudios Disney ganó tras muchos intentos y que queda reflejada en Al servicio de Mr Banks(Savings Mr.Banks), una deliciosa película estrenada este año y en la que Emma Thompson interpreta a la escritora y Tom Hanks al prestigioso productor cinematográfico.

El amor que la escritora sentía por su personaje le hicieron rechazar en un principio todas las propuestas para la adaptación cinematográfica, en especial el hecho de que fuera a ser un musical y de que la película mezclara personajes reales con imágenes de animación. Pero fueron precisamente esos dos elementos los que diferenciaron a la película del resto.

Por un lado, el equipo de efectos especiales, formado por Peter Ellenshaw, Eustace Lycett y Hamilton Luske, desarrolló una técnica en aquel momento novedosa pero que se generalizaría rápidamente en el cine. Era el vapor de sodio, el antecedente de lo que hoy se conoce como "pantalla azul". Una luz proyectada por la parte de atrás de una pantalla permite filmar a los actores sobre un fondo de ese color que luego se sustituye por cualquier otra imagen.

Técnica que permitió lograr un gran realismo en escenas ya míticas, como en la que todos los protagonistas —Andrews, Dick Van Dycke y los niños Karen Dotrice y Matthew Garber— se montan en caballos de tiovivo para recorrer un parque o en la que un simpático grupo de pingüinos actúa de camareros.

Junto a las revolucionarias y preciosistas imágenes, la música fue el otro elemento clave de una película que cuenta una historia tan poco original como efectiva: unos niños criados por un padre ocupado y estricto encuentran en una niñera mágica su válvula de escape y la mejor forma de enseñanza para toda la familia. La música fue compuesta por los hermanos Richard M. Sherman y Robert B. Sherman, que consiguieron dos Oscar por su trabajo: a la mejor banda sonora y a la mejor canción original, por Chim Chim Cher-ee.

Canciones inocentes y divertidas que encontraron su perfecto vehículo de lucimiento en la extraordinaria voz de Julie Andrews y en la cómica interpretación de Van Dycke. La mezcla de humor, drama, historia familiar, amor y amistad hizo de esta película el mayor éxito en la carrera del director Robert Stevenson (responsable también de La bruja novata) y el lanzamiento definitivo de Andrews.

Fue la película más taquillera de aquel 1964 en el que también se estrenó My fair Lady, un filme que Julie Andrews esperaba realizar tras haber interpretado la obra en el teatro, pero que recayó en Audrey Hepburn, también nominada al Óscar ese año.

Andrews ganó el Óscar y el Globo de Oro y en su discurso de aceptación se tomó una pequeña venganza al dedicarle el galardón a Jack Warner, director de los estudios Warner Bros y quien decidió que ella no era lo suficientemente conocida para interpretar My fair Lady para el cine. Una decisión que finalmente fue beneficiosa para la actriz, que a partir de ese momento encadenó éxitos como Sonrisas y lágrimas o Cortina rasgada.

Cincuenta años después del estreno de Mary Poppins, el 27 de agosto de 1964 en Los Ángeles, la actriz afirmó en una entrevista con USA Today: "Soy la mujer afortunada a la que se pidió que hiciera esta maravillosa película. Es uno de esos golpes de suerte que se producen una vez en la vida y en tu carrera. Lo supe entonces y lo sé ahora".

fuente: http://www.publico.es/culturas/540730/el-supercalifragilistico-y-mary-poppins-cumplen-50-anos

Ay, yo vi "Saving Mr. Banks", y me gustó más que la propia "Mary Poppins"

En otro orden de cosas, jajjaja, me han pasado este cartel y es gracioso, aunque no estoy de acuerdo con todo:

Personajes que son animales, en forma humana...

http://www.clipd.com/movies/40211/19-disney-animal...

Buena época, los 90...

Tengo el placer de decir que ya la he visto, y que me parece todo un clásico moderno de la casa del ratón. Canciones geniales, gran trama, y animación sobresaliente.

Ésta va por los clásicos más recientes

El 21 de Diciembre de 1937 se estrenaba una película en cines una película. Era la primera vez en la historia que se veía algo así: un largometraje realizado completamente en animación, totalmente a color y con sonido. También era la arriesgada jugada de un hombre llamado Walt Disney, que había invertido su fortuna personal, ganada con sus cortometrajes y sobretodo con su personaje Mickey Mouse, jugándose a una carta el futuro de su estudio de animación.

Para muchos de nosotros, es una de esas películas que teníamos en la estantería junto a otros VHS de dibujos animados.

¿Qué podría decir o no decir de esta película?

Cambió la historia del cine, de la propia compañia de Disney y del resto de la industria, introduciendo elementos técnicos nuevos como el rotoscopio, la cámara multiplano que consigue dar sensación de profundidad, la técnica Technicolor en un largometraje animado...

Cautivó al público por la belleza de sus imágenes, con algunos fotogramas que parecen cuadros para enmarcar, y las inolvidables canciones que cantan sus protagonistas.

Y hoy día, suelo oír cuando se habla de esta película, que es machista, que es el estereotipo de la princesita que necesita que la salven, etc. Es cierto. También lo es que es una película realizada en 1937, con los valores morales y sociales de los años 30, y a su vez basada en un cuento medieval suavizando varios elementos del original. Si alguien busca una película Disney con los valores sociales y morales actuales, ahí están Mulán, Moana, Zootrópolis, y otras varias de la última década.

Yo me quedo con las emociones que me produce esta cinta, en la que Blancanieves respresenta la bonadad y la inocencia, en contraposición a la Reina, que representa los celos, el rencor, la vanidad y la obsesión hasta sus peores consecuencias. Con esos alegres enanitos que encuentran en la princesa que se refugia en su casa una figura materna.

Hay escenas que aún me ponen los pelos de punta, como la de la huída de Blancanieves a través del bosque, cómo las figuras que ve en la oscuridad, aterrorizada como está, se tornan en su mente en grotescas imágenes monstruosas, amenazantes. Cualquiera que haya tenido la desgracia de padecer terrores nocturnos o simplemente miedo a esas sombras con la que la imaginación puede jugar retorcidas maniobras en mitad de una noche de insomnio, sabe lo aterrorizada que se siente la princesa, y puede comprender la alegría y esperanza que experimenta cuando sale el sol y es reconfortada por los animales del bosque.

También hay momentos de felicidad y juego, con los animales y los enanitos, sobre todo Mudito. Lecciones de educación para los más pequeños (mantener la casa/cuarto limpios, hacer las tareas, lavarse antes de comer).

Otros momentos sencillamente ponen una sonrisa en la cara, cuando la princesa y los enanitos bailan y cantan esa canción tonta antes de irse a dormir.

Y algunos momentos son tenebrosos, con al Reina de protagonista: la aparición del rostro en el espejo, la elaboración de la poción para volverse vieja y la manzana envenenada, esos buitres que simbolizan la muerte que nunca llega a verse directamente en la película...

Y un momento de profunda tristeza, cuando, habiendo muerto la Reina, los enanitos lloran la pérdida de la dulce Blancanieves. Una escena en la que incluso las velas, el cielo y los animales, parecen unirse a los enanitos en el llanto. Confieso que ahora, en mi vida adulta, esta escena consigue sacarme las lágrimas que jamás me arrancó en mi niñez. Seguida de un momento legendario como la llegada del Príncipe Encantador (el primero de Disney) al lugar donde los enanos velan a Blancanieves en el féretro de cristal, y con un beso la devuelve a la vida.

Ha habido otras versiones en animación. Ha habido intentos de contar la historia en películas con actores famosos en carne y hueso, algunas, tratando de darle un tono más oscuro, otras, en clave más ligera y alegre.

Incluso se dice que Disney planea hacer también una versión en imagen real de este clásico. Como suele ocurrir, sólo podrá intentar estar a la altura del original del que parte. Una película que recibió años después a título honorífico un Oscar muy especial.

Y que es homenajeada como uno de los pilares fundamentales de la Casa del Ratón de forma muy visible en el edificio central de la corporación.

Y es que siempre será recordada por todo ello, Blancanieves y los Siete Enanitos.

"Si en la nocturnal quietud,

Ves brillar la Estrella Azul,

Todo lo que pidas se realizará..."

Con estos versos comenzaba el segundo largometraje producido por Walt Disney tras el éxito del primero. Estrenada en 1940, tomaba todo lo que Disney y sus colaboradores habían aprendido al hacer Blancanieves y construía sobre ello, adaptando esta vez el famoso cuento italiano de Collodi.

Una historia con tintes de fábula, con animales antropomorfos, hadas, y monstruos, el relato nos lleva a conocer a Pepito Grillo (Jiminy Cricket, en inglés), que nos cuenta cómo conoció al carpintero Gepetto, cuya última creación cobra vida gracias a la Estrella Azul, el títere Pinocho, y cómo termina encargado de ser su conciencia.

Con bonitas moralejas sobre cómo no debemos dejarnos guiar por las tentaciones de falso éxito sin esfuerzo, de cómo no debemos dejarnos llevar por los más bajos instintos y buscar diversión en la destrucción, y sobre todo, de cómo debemos ser generosos, sinceros, y buscar que nuestros padres (y conciencias) se sientan orgullosos de nosotros, la película resulta muy entrañable.

Villanos de pacotilla como el Honrado Juan y Gedeón, a medio camino como Stromboli, o directamente aterradores como el cochero o la ballena Monstruo, formaban las distintas amenazas, dando para canciones memorables en algunos casos, o para escenas de pesadilla en otros. Conozco gente que aún tiene un pequeño trauma con la escena de los burros y la transformación de Polilla.

En mi modesta opinión, cabe destacar de la banda sonora una canción sobre las demás. El tema que Pepito Grillo canta al principio ("When you whish upon a star"), que no sólo introdujo el concepto de pedir deseos a la estrella azul, la intervención de un hada en la historia, sino que quedó ya para siempre como la melodía con la que más tarde abrirían todas las películas Disney, hasta la actualidad.

A título personal, también me gustaría añadir que al volver a ver esta película con una mente más adulta, uno se da cuenta de que el verdadero protagonista, es Pepito Grillo, al que volveremos a ver más pronto que tarde...

¿Y a vosotros, qué recuerdos, buenos o malos os trae esta película?

Yo tengo bastantes recuerdos de esta película. Principalmente que mi abuelo se parecía muchísimo a Gepetto y encima fabricaba cosas de madera como hobby. Me hacía sillitas de madera de mi tamaño, juguetitos, cosas de decoración... 

Curiosamente la noche que murió mi hermana estaba viendo Pinocho y justo cuando Gepetto estaba desesperado buscando a Pinocho bajo la lluvia, antes de ser engullido por monstruo, le avisamos de que nuestro abuelo acababa de fallecer. 

Es un recuerdo curioso y algo triste, pero no puedo evitar pensarlo. Igualmente, Pinocho me encanta y cuando voy a disneyland es de los personajes que más me encanta encontrarme. 

También recuerdo que fue el primer regalo porque sí de mi ex pareja, me trajo un día Pinocho en dvd en edición especial y esa noche (teníamos 17 años y mi padre no quería que nos quedaramos a dormir juntos) fingimos que nos dormimos viendo pinocho por la noche y no nos despertó y nos dejó dormir juntos. 

En si es una película muy maja y algo macabra que me recuerda a la familia. También una vez me dieron a probar el carajillo de mi abuelo cuando era pequeña y mi familia se rió de mi diciéndome que se me había puesto la cara como a Pinocho cuando prueba el puro, de diferentes colores hasta llegar al verde. 

Me trae buenos recuerdos y melancolía. 

Llegó en 1940 a los cines la tercera película producida por Walt Disney y su equipo de animación. Como con la primera, se atrevieron a hacer algo que nadie había hecho antes, ni siquiera ellos mismos.

En esta ocasión, el reto fue crear una película concierto, utilizando varias piezas de música clásica, interpretadas por la orquesta de Filadelfia y bajo la batuta de Leopold Stokowsky, y con imágenes creadas e imaginadas por el equipo de Disney. Además de ser pionera en este concepto, no fue la última película así concebida, como se vería en años venideros y también en el año 2000.

Con las únicas palabras dadas por el narrador y un breve diálogo entre Stokowsky y Mickey Mouse (con la voz de Walt Disney), la película trata de acaparar los sentidos del espectador con su música y sus imágenes. En el mismo inicio se nos explica que veremos tres tipos de música con sus correspondientes animaciones: La música que cuenta una historia, la música que evoca imágenes y escenas aun sin argumento propio, y la música que existe por sí sola. Tras el preludio, una a una se van sucediendo las obras representadas:

Tocata y fuga en re menor, de Johann Sebastian Bach.

Ésta es la pieza de música por sí misma. Y por ello comienza simplemente iluminando con colores diferentes los instrumentos según van sonando, para después pasar a una animación puramente abstracta en la que se distinguen partes de instrumentos, paisajes de nubes y cielo, y aspectos más abstractos e interpretables. Personalmente conocía esta pieza en su versión para órgano, y es la música la que centra mi atención gracias a una animación poco concreta que hace que la mente se relaje y el oído se agudice.

El Cascanueces, de Piotr Tchaikovsky.

Obra infravalorada por su propio creador, en esta ocasión la animación nos lleva a las danzas de hadas del rocío, del otoño y de la escarcha (que, visto hoy en día, no puede evitarse pensar en Frozen un poco), alternadas con los bailes de unas pequeñas setas chinas, unas flores sobre el agua, peces sinuosas en un misterioso entorno subacuático (y que recuerdan a la entrañable Cleo, de la anterior película), flores bailando como cosacos y damas rusas en una secuencia delirante que probablemente sirviese de campo de pruebas para una década después en Alicia en el país de las maravillas.

El aprendiz de Brujo

Probablemente una de las más famosas, en esta historia el joven aprendiz (Mickey) de un poderoso Hechicero (Yen sid, probad a darle la vuelta), trata de usar las artes mágicas de su maestro sin estar preparado. La imagen de Mickey con el gorro del brujo es tan icónica que se convirtió en el símbolo de la película. También fue la primera vez que se dibujaba al ratón con pupilas distinguidas en los ojos blancos (antes eran totalmente negros), para poder darle más expresividad y que pudiera verse hacia dónde miraba el personaje. Al final del genial fragmento, vemos en sombras a Mickey dándole la mano y la enhorabuena al director de la orquesta.

Tan emblemático es este pasaje sobre el resto de la película, que sería repetido en Fantasía 2000 como homenaje.

La consagración de la primavera, de Igor Stravinski

Donde se nos muestran imágenes de los inicios de la Tierra, de la vida en sus aguas y sobre ellas, y la era de los dinosaurios y su fin. Para los que echamos de menos un gran meteorito al final de la secuencia, hay que tener en cuenta que la película se filmó en una época en la que aún no había surgido esa hipótesis entre la comunidad científica, ni se habían encontrado las pruebas que la validan. Pese a ello, resulta un fragmento entretenido e interesante, y no puedo evitar pensar que en la aparición del tiranosaurio está el germen de la que mucho tiempo después sería la secuencia de apertura de la película Dinosarurio.

Sinfonía Pastoral, de Ludwig Van Beethoven

En esta secuencia se nos muestra a unicornios, sátiros, centauros, pegasos, cupidos y dioses griegos en un bucólico paisaje del Olimpo, incluyendo a Dionisio, con su gusto por el vino, a Zeus, azulado y algo caprichoso, del que no puedo evitar creer que es una versión joven del que veríamos en los años noventa como padre de Hércules, y hasta a Apolo en su carro solar, Diana con su arco lunar, y una Noche que, si uno se fija bien, tiene el rostro de la princesita Blancanieves. Un fragmento entretenido y muy colorido.

Danza de las horas

Un ballet en un lujoso palacio neoclásico. Interpretado de forma delirante por avestruces, hipopótamos, elefantes (¿la semilla de cierta secuencia de Dumbo?), y cocodrilos, de los que que estoy convencido de que al menos a uno lo volveremos a ver en Robin Hood.

Noche en el Monte Pelado, de Modest Müsorgski / Ave María, de Franz Schubert

Si hay otra secuencia tan emblemática como la del Aprendiz de Brujo, una imagen casi tan famosa de esta película como la de Mickey con el sombrero mágico, ésa es la oscura silueta del Demonio Chernabog. En esta ocasión se ofrece un tremendo contraste entre el mal y las tinieblas, representados por la secuencia del Monte Pelado, con el demonio desplegando sus alas, convocando las almas condenadas para hacerlas sufrir y retorcerlas entre sus garras, y el triunfo final del bien y de la luz, representado por el tañido de la campana, las luces del alba y los cánticos de esas figuras que portan luces mientras se adentran en una catedral natural formada por los árboles de un bosque. Un cierre perfecto para una película que es como un masaje a los pensamientos.

Y ya que tantas otras escenas de la película me recuerdan cosas que aparecerían en Clásicos posteriores, diré que creo que de este concepto de secuencia dual está la inspiración para el Fuego Infernal/ Luz Celestial de El Jorobado de Notre Dame.

En resumen una película atrevida, muy distinta a todo lo que se había hecho hasta entonces y a lo que se hace hoy en día, que no conocí durante mi infancia pero sin embargo he podido disfrutar siempre desde que la descubrí, cada vez que la veo.

¿A alguien más le pasa? ¿O era uno de los VHS en vuestras estanterías?

"Ya llega por ahí
 la carga de París
lo que usted encargó
va pronto a recibir.
Si usted se arrepintió
ya no podrá escapar.
El pedido vendrá,
no podrá ya regresarlo.
Lo que venga hay que aceptar
y no hay reclamación
al pájaro santón
no hay forma de engañar.
No trate de esconderse
la cigüeña es muy audaz.
Dondequiera que esté le encontrará."

Con esta canción las cigüeñas traen sus bebés a los animales un circo de Florida. Y con ella da comienzo el cuarto clásico de animación de Disney: Dumbo.

Un relato muy breve, de apenas una hora, que cuenta la conmovedora historia del elefantito que nace con unas orejas enormes y por ello es ridiculizado y visto como una rareza. Tanto es así que su nombre, Jumbo Jr, acaba siendo usado en una cruel burla para apodarlo Dumbo (Dumb en ingles: tonto). Su madre, intentando protegerlo, es encerrada como elefante loca, y el único amigo que le queda a Dumbo es el ratón Timoteo, que intentará animarle y conseguir que Dumbo sea una estrella del circo. Finalmente, y gracias a la ayuda de unos cuervos, descubrirán que Dumbo puede usar sus alas para volar.

Esta película, estrenada en 1941, fue realizada como movimiento económico de Disney, ya que sus anteriores dos cintas, Pinocho y Fantasía, no habían tenido muy buen resultado en taquilla, y habían resultado a la vez muy caras en su producción. Por ello Dumbo es un ejercicio de simplicidad, en historia, personajes y duración, y no obstante eso juega a su favor, haciéndola un entretenimiento corto pero intenso. Hay que tener en cuenta que esta película, además, se estrenó el mismo año en el que Estados Unidos entró de forma activa en el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, que llevaba librándose en Europa desde 1939, lo cual hace que su éxito, en un tiempo en el que el cine no era precisamente una de las principales preocupaciones de la gente, sea aún más meritorio.

Con una escena  tan conmovedora como la de Dumbo y Timoteo visitando a mamá Jumbo enjaulada, me resulta imposible verla u oír la canción "Hijo del corazón" sin que me salten las lágrimas, al ver a todos los demás animales del circo dormir plácidamente con sus hijos, y a Dumbo y su madre separados.

También está la muy famosa y delirante secuencia de los infames "elefantes rosas", con una canción bastante inquietante y una animación digna de Dalí, supuestamente representando que Dumbo y Timoteo se han emborrachado (a saber lo que los payasos le habían puesto a esa botella...)

También el muy comentado caso de los cuervos, estereotipos raciales de afroamericanos (doblados como gitanos en la verisón en español), que no obstante son los únicos personajes aparte de Timoteo y la madre que ayudan a Dumbo, pese a burlarse del ratón al principio.

Esta es también, a día de hoy, la película de Disney más antigua de la que se han atrevido a hacer un remake live action, estrenado el año pasado y con algunos cambios y muchos añadidos para alargarla hasta las 2 horas de duración. El remake fue dirigido por Tim Burton, lógicamente, dada la debilidad del director por los personajes que parecen no encajar en el mundo.

Creo que la más importante lección que dan tanto la película, como el remake como el cuento original, es que, a veces, resulta que eso que nos hace diferentes, eso mismo de lo que los demás se ríen y burlan, o no entienden, resulta ser lo que nos hace especiales, lo que nos da la capacidad de volar. Algo que la sociedad ve como un error puede ser aquello que te eleve sobre los demás, descubriendo un talento único que nadie más tiene. Un muy profundo mensaje.