Partida Rol por web

"Dulce canción es el amor. Es tierna melodía..."

Con "Bambi" (1942), llegaba un fin de etapa para Walt Disney y sus colaboradores. La quinta película del estudio sería la última ocasión de hacer un largometraje animado completo hasta varios años después, debido cómo no al recrudecimiento de la segunda guerra mundial, que también jugó un papel en el poco éxito financiero que supusieron Pinocho, Fantasía, Dumbo, y Bambi. Los siguientes clásico se realizarían a base de empalmar varios cortos con alguna presentación o hilo conductor.

Si hay algo por lo que todos recordamos esta película, es por el traumático momento en el que la madre de Bambi "desaparece", al ser alcanzada, fuera de plano, por los disparos de los cazadores humanos. Se dice que tanto la escena maternal y triste de Dumbo como ésta tuvieron su origen el un trauma del propio Walt Disney, quien había perdido a su madre poco después del esteno de Blancanieves.

Sea como fuere, la escena en que el pequeño Bambi queda huérfano, es la más memorable y punto fuerte de la película, dividiéndola en dos mitades, siendo la primera la infancia de Bambi donde conoce a sus amigos y el bosque, y la siguiente un par de años después, cuando en primavera tanto Bambi como Tambor y Flor quedan "traslocados" y se enamoran.

Como apunte personal, debo admitir que esta película se me suele hacer larga, para durar sólo una hora, ya que avanza con un ritmo relativamente lento, salvo por puntos fuertes como la ya mencionada muerte de la madre o el incendio del final. No obstante, debo reconocer que al volverla a ver he redescubierto la gran calidad del trabajo de animación, desde el primer plano-secuencia, usando majistralmente la cámara multiplano para que nos sintamos de verdad en un bosque, hasta la batalla entre Bambi y el otro pretendiente a Faline, con una interesante iluminación que por momentos hace que parezcan imágenes tridimensionales.

Con seis canciones originales, desde aquella que inicia la película y este post, a la "Sinfonía de lluvia de Abril" o la canción primaveral, estuvo nominada a tres premios Oscar, por banda sonora, mejor canción original y mejor sonido.

Un clásico indiscutible que a algunos nos costaba ver de pequeños por la tristeza de la famosa escena.

El sexto de los clásicos de Disney es una cinta de 40 minutos estrenada también en 1942, después de Bambi, e ideada como una forma de ensalzar la buena vecindad y entendimiento entre Estados Unidos y los países de la América Latina, en los tiempos que corrían con la cruda guerra en Europa. Por ello en la cinta vemos un viaje de artistas de Disney hacia América del Sur, buscando inspiración en sus ciudades y paisajes, y tal vez un nuevo personaje animado.

El viaje, dividido en cuatro etapas, es en parte documental, mostrando las vivencias del equipo de artistas y las peculiaridades de cada región, y en parte lo que dichos artistas crean inspirados por lo que han visto allí, permitiendo no sólo conocer algunas de las regiones más pintorescas de Sudamérica, sino también como los artistas ven el mundo y lo plasman en sus dibujos e ideas.

El lago Titicaca

En la tierra de los Incas vemos a un turista norteamericano, que no es otro que el Pato Donald, descubrir las barcas tejidas con juncos, a los lugareños, y a las orgullosas llamas, realizando un viaje a la escarpada montaña que sólo puede acabar de la forma en que acaba cualquier viaje de Donald.

Los Andes, el correo aéreo entre Santiago de Chile y Mendoza

Nos muestra a Pedrito, un pequeño aeroplano que realiza su primer viaje como avión correo sobre los Andes, y las dificultades que atraviesa al pasar cerca del terrorífico Aconcagua, el pico más alto de esta cordillera.

Las pampas argentinas

Conocemos las costumbres de los gauchos de Argentina a través de un Goofy, que pasa de cowboy estadounidense en Texas a gaucho de las pampas, mostrando la vestimenta, estilo de vida y danzas tradicionales.

Río de Janeiro: Aquarela do Brasil

A ritmo de samba, un pincel nos va dibujando paisajes y elementos típicos de Brasil con vivos colores, hasta que aparece de nuevo el pato Donald, y conoce al fin a su nuevo amigo, el papagayo José Carioca, que le muestra algunos de los lugares más emblemátocos de Río de Janeiro, según el pincel sigue añadiendo escenas y elementos hasta completar la hermosa acuarela.

Con esta película entramos en una etapa de los clásicos menos conocidos de Disney, y aunque es muy corta resulta interesante ver el trabajo realizado por estos artistas durante y después de su expedición. Especialmente destacable el debut de José Carioca como embajador de Disney de Sudamérica. Esta película formaría un tándem con el siguiente clásico, añadiendo un personaje más a Donald y José...

El séptimo Clásico Disney puede considerarse una continuación del anterior, ya que también fue producido bajo la Política de Buena Vecindad como Saludos Amigos, y recupera y extiende varios de los temas tratados.

Esta vez el hilo conductor para esta antología de cortometrajes es más claro. Es el cumpleaños de Donald (viernes 13, cómo no), y nuestro pato más cascarrabias recibe un paquete lleno de regalos de sus amigos de América Latina.

El primero que abre es un proyector de cine que le muestra un corto sobre el pingüino Polo, que tiene frío en la Antártida y decide hacer un viaje al trópico, hasta las islas Galápagos, como explicación de la especie de pingüino real endémica de estas islas. Después se muestra a Donald otros de sus parientes emplumados de América del Sur, pero entre ellos destaca un pájaro ficticio, el Aracuán, y su loca melodía. Por último, un viejo Gaucho cuenta un cuento de cómo cuando era un niño descubrió y entrenó a un burrito volador. 

A continuación, Donald se reencuentra con su amigo de la película anterior, José Carioca, el papagayo de Brasil, que en esta ocasión le muestra la ciudad de Bahía, primero con una canción bastante hipnotizante, y después con un atrevido cortometraje en el que se entremezclan, por primera vez en esta lista de Clásicos, imágenes reales, en este caso de la cantante y actriz Aurora Miranda, con los dibujos animados de Donald y José, a un imparable ritmo de samba.

Pero llega el momento de abrir el último regalo, y de golpe nos encontramos escuchando las notas de la canción mexicana "Ay, Jalisco no te rajes", y observando imágenes coloridas de la Banda Sonora que conocimos en Fantasía, pero más colorida. Pronto esta presentación da lugar al nuevo personaje de esta película, Panchito Pistoles, el gallo mexicano, completando junto a Donald Duck y José Carioca el grupo de Los Tres Caballeros, y cantan su emblemática canción. Con Panchito, conocemos algunas tradiciones de méxico, desde la procesión navideña de Las Posadas y la Piñata navideña, a un viaje en sarape volador para conocer Pátzcuaro, Veracruz y Acapulco. Culmina con el cielo estrellado de Ciudad de México, en el cual Dora Luz canta "You Belong To My Heart" como regalo a Donald.

La película culmina con un segmento frenético y más abstracto, y con imágenes reales combinadas con animación de nuevo, con Carmen Molina bailando con Donald y varios cactus, y otras escenas más psicodélicas incluyendo un falso toro de lidia, acabando con los Tres Caballeros cantando juntos y un final con fuegos artificiales despidiéndose en los tres idiomas y con los colores de las banderas de los tres países que representan los Caballeros.

Creo que de esta película cabe destacar el hecho de que es el debut de Panchito Pistoles, la canción de Los Tres Cabelleros derivada de "Jalisco no te rajes", y el ser la primera en combinar animación con personas reales después de que Fantasía hiciese un amago de ello con sombras.

La imagen de los tres pájaros es todo un icono, junto con su canción, y por ello han hecho apariciones en algunas otras producciones de Disney como House of Mouse, o más recientemente en el remake de Patoaventuras.

Además, recientemente se realizó una serie centrada en estos tres personajes, que ha pasado bastante desapercibida.

Todo un clásico y el segundo de estos recopilatorios de cortos tras la primera era dorada.

Siguiendo con esta tanda de clásicos compuestos de varios cortos, y retomando parcialmente la batuta de Fantasía, el octavo clásico, Música Maestro (Make Mine Music), nos presentaba de nuevo en 1946 una película concierto.

Los segmentos de esta película son más cortos y por ello, aun durando sólo una hora, son más numerosos, y comienzan tras unos créditos (en estas películas antiguas, los créditos van al comienzo, ya se sabe) que nos muestran como si estuviésemos entrando en el teatro para ver este espectáculo.

"Blue Bayou" es una balada suave con imágenes etéreas al principio, más concretas sobre una laguna después, de ritmo pausado, para ser el acto que abre la película, resulta para mi gusto demasiado relajante, casi hace que entre sueño, no por aburrimiento sino por lo hipnótico que es.

"All the cats join in!" ¡¡¡ A DESPERTARSE !!! el frenético ritmo de swing/jazz de esta pieza hace imposible verla sin comenzar a hacer movimientos siguiendo el ritmo. La animación en este caso va dibujándose ante nuestros ojos, como tratando de seguir el ritmo alocado de la música.

"Whithout you" balada triste acompañada de una hermosa animación muy fluida. Algunos planos como el de la ventana parecen, una vez más, cuadros de museo. Y me da la sensación de que sirvieron como práctica a los dibujantes para alguna escena, años después, en Cenicienta.

"Casey and the Bat" un poema recitado en el que se nos cuenta la historia de un bateador de béisbol y las malas consecuencias que puede tener el pecar de soberbia.

"Two silhouettes" tenemos el gusto de ver a dos bailarines profesionales de ballet, o mejor dicho, sólo sus siluetas, rodeadas de adornos y entornos etéreos dibujados por los artistas de Disney, mientras la melodiosa voz de Dinah Shore envuelve y absorbe la escena.

"Peter and the Wolf" en este segmento se nos cuenta el cuento ruso de Pedro y el Lobo, dando a cada personaje no sólo un tema musical característico, sino un instrumento que le representa. Sin que hablen los personajes, es el narrador el que nos cuenta tanto la historia como los diálogos de la fábula, en la que el pequeño Pedrín sale a enfrentarse a un aterrador lobo, junto a sus amigos Sasha, Sonya, e Iván.

"After you're gone" un cuarteto interpreta melodías de jazz mientras la animación representa a los distintos instrumentos danzando y ocupando cada uno el protagonismo en diferentes momentos, de forma divertida y algo surrealista.

"Johnnie Fedora and Alice Blue Bonnet" la historia de dos sombreros que se enamoran en la tienda y después son separados cuando cada uno es comprado por clientes diferentes, es cantada y mostrada con la animación. Reconozco que me humece los ojos, no sólo por la historia, sino por la canción, tanto en letra como en notas. A cualquiera a quien el corto "Lava" de Pixar le conmoviese, verá aquí similitudes en historia y emociones.

"The Whale Who Wanted to sing At The Met" un ballenato cantor de ópera es descubierto, tan prodigioso que puede cantar a la vez con tres voces. Un director de ópera cree que se ha tragado a tres cantantes y organiza una expedición para cazarlo. Se nos muestra un futuro posible en el que el ballenato se convierte en estrella de la Metropolitan Opera, pero esta visión es truncada cuando el director dispara el arpón y mata al milagroso animal, dejando la moraleja de cómo a veces, por estupidez, destruimos maravillas y milagros que están a nuestro alcance. Si con el anterior segmento se me había ablandado el corazón, os podéis imaginar con esta historia, más cuando se nos muestra después al ballenato Willie convertido en ángel cantando en los cielos por toda la eternidad.

Willie suele ser, por cierto, protagonista en la carátula para este filme. La verdad es que es una de las películas menos conocidas de los Clásicos Disney, y por eso resulta refrescante su visionado. Aun así, el segmento de Pedro y el Lobo se coló en mi infancia, grabado en VHS de alguna exótica emisión en televisión.

Por lo visto existía un fragmento musical más al principio, "The Martins and the Coys", sobre clanes rivales y enamorados, pero se descartó de las ediciones en VHS por ser muy violento, y no he podido encontrarlo.

¿Alguno también conocíais parte o toda esta cinta? ¿Es otro descubrimiento que añadir a vuestras listas de "películas de Disney que no sabía que existían"?

Y de repente, justo al comenzar el noveno clásico, nos encontramos con un viejo conocido.

Pepito Grillo vuelve con nosotros cantando una canción sobre la importancia de la alegría y la actitud positiva frente al cinismo y pesimismo que suelen aquejar a muchas personas en el mundo (ya en 1947). Junto a Pepito vemos a un pez que es idéntico a Cleo, de la misma cinta quel grillo, y a un gato algo cascarrabias que parece Fígaro en plena adolescencia. Siguiendo a nuestro amigo grillo, anfitrión de honor de esta cinta, se nos narran dos historias, en esta ocasión dos cortometrajes más largos que los de anteriores cintas recopilatorias.

Pepito pone a funcionar en un gramófóno un disco de vinilo en el que Dinah Shore, en el inglés original, o Ana María González, en el español neutro (que también nos narraría la introducción de Cenicienta), nos canta la historia de Bongo, un osito que escapa del circo y de repente se encuentra libre y alegre, pero sin saber muy bien cómo desenvolverse en la naturaleza ni cómo se comportan los osos, hasta que encuentra el amor en Lulubelle, osita por la que tendrá que luchar. Es una historia sencilla y simpática, bien animada y con varias canciones, como la canción de enamorados o en la que los osos celebran sus amores con un bofetón.

Tras escuchar este cuento, Pepito lee una invitación para una fiesta, y decide presentarse allí. En la casa, se encuentran la pequeña Luana Patten (actriz infantil de la época), Edgar Bergen (ventrílocuo) y dos marionetas a las que Bergen da vida, Charlie McCarthy y Mortimer Snerd.

Colándonos con Pepito en su fiesta, podemos escuchar, y ver, cómo Edgar nos cuenta un cuento familiar, sobre gigantes, judías mágicas que crecen por la noche, y tres conocidos (para nosotros) campesinos que emprenden la aventura y salvan a un harpa mágica y con ella su valle.

Cuando el cuento acaba, y Pepito nos ha dado envidia sisando pedacitos de tarta de chocolate y bebiendo cócteles, vemos una vez más al gigante bonachón Willie, del segundo cuento, y con él caminando sobre el Hollywood nocturno se despide la cinta.

¿Qué puede decirse de esta cinta? Algunos recordaréis tal vez como yo algún fragmento, especialmente el de la historia de las judías/frijoles y el gigante Willie, con imágenes y escenas bastante icónicas. Además, cabe destacar de la cinta la forma de contar historias dentro de historias, y el hecho de mezclar, durante la segunda mitad, imágenes reales del salón donde ocurre la fiesta con los actores y marionetas, con animaciones, desde el mismo Pepito Grillo, pasando por el hecho de que este lugar lo vemos a través de la ventana de una casa dibujada, hasta el cuento cuando empiezan a imaginarlo (me parece sublime cómo la animación construye el escenario del Valle Feliz como lo haría nuestra imaginación según nos cuentan una historia), y finalmente, del propio Willie levantando el techo para asomarse.

Otro de los clásicos poco conocidos de esta etapa (y sólo quedan dos más antes de volver a pasar a palabras mayores).

El décimo clásico de Disney es bastante parecido en concepto a "Música Maestro", otro recopilatorio de historias en formato de cortometraje donde la música se encuentra con la animación para relatarnos diversas leyendas, cuentos y poemas. Estrenada en 1948, no resultó muy exitosa, quizás por la repetición de la fórmula, por la situación mundial recuperándose de un conflicto global, o por una calidad algo inferior. No obstante merece un repaso, así que con todos ustedes, Tiempo de Melodía.

Hubo una vez un invierno. (cantada por Frances Langford). Una pareja sale a pasear en trineo por las nevadas colinas y un lago helado, acompañados de animales del bosque... ¿qué podría salir mal?

El abejorro. Freddy Martin, su orquesta y Jack Fina nos presentan una versión de la famosa pieza "el vuelo del moscardón" de Rimski Kórsakov, con un toque moderno y el insecto en cuestión en un surrealista duelo animado con el teclado del piano que toca la melodía. Un fragmento que no llegó a entrar en el corte de Fantasía, pero hubiese encajado perfectamente.

La leyenda de Juanito Manzanas (Johnny Appleseed). En este conmovedor relato Dennis Day nos narra una de las leyendas del folklore norteamericano de los tiempos de los pioneros, en el cual Juanito Manzanas se decide a emprender el viaje sembrando manzanos allí por donde pasa, dando alimento e inspiración a muchos otros pioneros y colonos, aprovechando los frutos de sus árboles para producir muchas recetas para comer, beber, y celebrar. Con un hermoso final, que como toda leyenda, sirve para explicar fenómenos curiosos de la naturaleza, y unas melodías hermosas y cuidadas, destaca enseguida entre los demás cortos.

Silbatín. Un breve cuento narrado por las Andrews Sisters sobre un pequeño barco remolcador algo revoltoso, que aprende por las malas que no todo es jugar y divertirse, y que hay ocasiones en las que deben tomarse responsabilidades. Espero que los responsables de Cars y Aviones no redescubran este corto, porque todos sabemos lo que ocurriría.

Árboles. Fred Waring y sus Pensillvanians nos cantan el poema de Joyce Kilmer sobre la belleza de los árboles. Es un fragmento corto, pero de bellas imágenes. El canto no se tradujo del inglés en la versión en español.

Échale la culpa a la Samba. Las Dining Sisters cantan, y Ethel Smith toca el organillo y los tambores, acompañanda de el Pato Donald, José Carioca, y el Aracuán, que hacen una reaparición y bailan al irresistible ritmo tropical de la samba. Un pequeño recuerdo de "Los tres caballeros", pese a la ausencia de Panchito Pistoles.

Pecos Bill. Roy Rogers y los Hijos de los Pioneros nos cantan la leyenda del mejor vaquero de Texas, Pecos Bill, criado por coyotes, y las múltiples hazañas que se le atribuyen, incluyendo la explicación folclórica del aullido de los coyotes a la luna.

Este corto incluye las imágenes reales de los artistas que cantan, Luana Patten de nuevo, y el caballo Trigger, incluidas en el desierto dibujado por los pinceles, así como la animación de la leyenda de Pecos Bill, y la canción Blue Shadows sirve de apertura y de telón final de esta historia y de la película.

En mi opinión, esta película es una continuación de menor calidad de Música Maestro, añadiendo el detalle de integrar escenas con personas de carne y hueso como hiciese el corto de "Mickey y las Judías Mágicas". Creo pese a ello que es interesante ver historias del folklore estadounidense como Johnny Appleseed y Pecos Bill, elementos de la cultura norteamericana y la leyenda de los pioneros con los que no estoy familiarizado. Tengo entendido que alguna idea se quedó en el tintero, como la historia de John Henry, y que tal vez hubiesen sido también interesantes. El hecho de que la mayoría de las canciones están elaboradas para rimar (incluyendo la traducción al español) es también un esfuerzo digno de reconocimiento.

La leyenda de Sleepy Hollow y el Señor Sapo (The adventures of Ichabod and Mr. Toad), estrenada en 1949, fue la última de las que Walt Disney mismo denominó "películas paquete". El undécimo clásico es, como los cinco anteriores, un recopilatorio de cortometrajes. En este caso, y al igual que sucedía con "Las aventuras de Bongo, Mickey y las Judías Mágicas", en esta ocasión se cuentan únicamente dos historias, por lo que los dos cortometrajes tienen más tiempo para poder desarrollar sus relatos.

En esta ocasión no contamos con un anfitrión de honor como lo fue Pepito Grillo en aquella cinta, y la introducción a las dos historias nos la narran un par de voces en off mientras vemos una biblioteca con grandes clásicos de la literatura inglesa y americana, respectivamente.

El primer narrador nos repasa impotantes figuras de la literatura inglesa: Robin Hood, el Rey Arturo, Becky Sharpe, Sherlock Holmes, Oliver Twist... (curiosamente, todos salvo la protagonista de Vanity Fair acabarían siendo adaptados, de una forma u otra, en películas venideras de Disney). Y entonces pasa a relatarnos las aventuras y desventuras de Don J. Thaddeus Toad, el Señorito Sapo, sacadas de "The wind in the Willows", y cómo sus estrafalarias manías y obsesiones caprichosas traen quebraderos de cabeza a sus amigos, el altivo señor Rata, el bonachón Sr Topo, y Mac Badger, un tejón que intenta organizar las finanzas y deudas causadas por los estragos de Sapo. Pese al comportamiento del señorito, los tres, junto con Cirilo el caballo gitano darán la cara por él y le ayudarán cuando se convierte en víctima de una estafa por la que una banda de comadrejas le arrebatan su mansión.

En el segundo corto pasamos a la literatura norteamericana y se nos relata una historia que muchos habríamos de conocer antes de ver esta cinta, a través de la lectura de la propia leyenda o de la archiconocida adaptación cinematográfica que dirigió, como no podía ser de otra forma, Tim Burton (todo un clásico para ver en Halloween). Se trata de la Leyenda de Sleepy Hollow, protagonizada por el docto profesor Ichabod Crane, que llega al pueblo que da nombre a la historia, y allí pronto se gana el afecto de las mujeres, pese a su fealdad, utilizando sus talentos y encantos y disfrutando de la hospitalidad de la comunidad. Esto le hace ganarse la antipatía del joven héroe del pueblo, el fornido Hueso (del que no puedo evitar pensar al ver cómo está dibujado que sería la base para muchísimos años después crear a Gastón). La gota que colma el vaso es cuando ambos tratan de cortejar a Katrina, bellísima joven hija del más adinerado hacendado del pueblo. Finalmente Hueso aprovecha la supersitión de Ichabod para aterrorizarle en una fiesta en casa del padre de Katrina, relatando el cuento de fantasmas del Jinete Sin Cabeza. Ichabod vuelve solo en caballo a casa a través del oscuro bosque y es presa del pánico, cuando ve la leyenda convertirse en realidad ante sus ojos.

Esta versión es mucho más fiel a la leyenda original que el mencionado largometrade de Burton (también más corta, y más antigua), pero personalmente opino que está logradísima con el uso del color y sus cambios cuando el Jinnete está en escena, la forma de hacer ondear su capa, y en general la buena transición tanto de la historia como de los personajes, con un par de canciones, siendo la más destacable la que el Hueso canta para narrar el cuento de terror.

Con ésta termina esta serie de seis "películas paquete" mucho menos famosas dentro de los Clásicos, gracias a las cuales Walt Disney pudo salvar su estudio de animación, incomparablemente más modesto que lo que es la compañía en la actualidad, de la bancarrota en tiempos difíciles para el cine, gracias a estos compendios de cortometrajes más fáciles y baratos de producir, reduciendo costes e incluso aprovechando fragmentos no utilizados de películas previas. Gracias a ello, el estudio se mentuvo a flote y consiguió ahorrar suficiente dinero, podrían empezar la década de los años 50 con un nuevo y completo largometraje que jamás se olvidaría, brillante como un zapato de cristal.

Vi la película de Fun and fancy free a través de Disney+ gracias a tus reseñas. La verdad que no sé porqué me había pasado desapercibida esa película. Es bastante rarilla, y el ventrílocuo da un poco de mal rollo. También vi que la película tenían unos cuantos comentarios bastante machistas, sexistas e inadecuados en la actualidad. Claro que en esa época, era algo normalizado. Está bastante bien, sobretodo la historia de los ositos, es muy divertida. Me sorprende que, para su época, disney siempre haya puesto los animales de circo como algo triste de los que estos quieren escapar. 

Música maestro es genial y, en cuanto a la leyenda de Sleepy Hollow, no entiendo cómo ha pasado tan desapercibida esa película. Es muy chula. Yo la tengo en dvd pero me viene suelta sin la del sapo, que todavía no la he visto. Por lo que veo en las imágenes que has puesto, Basil el ratón superdetective tiene personajes de este mediometraje. La veré en estos días. 

Muchas gracias por tus post! Siempre te leo! 

¡Muchas gracias a ti, Irazzi!

Me alegro de haberte descubuerto Fun and Fancy Free. Y tienes razón, la parte del ventrílocuo hay dos formas de verla. O se hace un esfuerzo de imaginación para pensar que las marionetas son dos personajes más, y son cuatro personas en la fiesta (cinco con Pepito), o la ves como lo que es, un ventrílocuo y dos de sus marionetas a solas con una niña pequeña, lo cual en efecto resulta bastante perturbador jajajja. Yo me lo imagino como si en vez de cine estuviese viendo una obra de teatro.

Y ciertamente, hay comentarios, algunos del propio Pepito Grillo que oídos a día de hoy resultarían inapropiados cuando no ofensivos, pero como ya pasaba en Blancanieves, es un producto de su tiempo, y en todo caso permite ver la evolución a mejor que ha tenido tanto Disney como la sociedad en estos aspectos.

También como dices he averiguado que en muchos casos estas películas no se distribuyeron como fueron estrenadas, sino los segmentos separados, como el caso de tu DVD de Sleepy Hollow o el que me pasó a mí con Pedro y el Lobo.

Respecto de los animales de circo, es bonito ver que ya se defendía esa idea en aquellos años, algo que por otro lado podía resultar evidente desde que existen los circos. De todas formas tanto Dumbo como Bongo son personajes cuyas historias Disney adaptó de las obras originales, y creo que de ahí venía el mensaje original contra el maltrato animal en los circos. Pero vamos, que Disney lo suscribió y adaptó muy bien.

No me acuerdo mucho de Basil, apenas la habré visto una vez, pero es cierto que el diseño de los amigos del Sr Sapo me resultaba familiar, ya lo confirmaré cuando vuelva a verla.

Muchas gracias por tu aporte, se agradece mucho el feedback.

"No importa quién borre el camino, marcado está el destino, y el sueño se realizará"

Esta frase es excelente metáfora de lo que esta película significó para las cintas de animación en la historia del cine, y para la compañía de Walt Disney concretamente. Después de sobrellevar los tiempos de la segunda guerra mundial apenas salvando de la bancarrota al estudio gracias a las películas paquete de cortometrajes anteriores, al llegar 1950 habían conseguido producir un nuevo largometraje animado completo, adaptando en esta ocasión el cuento de Charles Perrault, y recogiendo con pleno derecho el legado de Blancanieves con la que Disney había empezado. Llegaba al fin la más bondadosa, Cenicienta.

El cuento de Cenicienta tiene raíces muy antiguas, mucho más que la mayoría de historias en las que Disney había basado o basaría sus clásicos. Se han encontrado los primeros elementos definitorios de esta historia en la época del antiguo Egipto y al antigua Grecia, con la fábula de Ródope, una muchacha griega esclava de un noble egipcio a la que el dios Horus saca de la servidumbre al entregarle un zapato rojo cual rubí al Faraón. Hay muchísimas versiones desde aquellas más antiguas, pasando por la árabe, con zapatos tejidos con hilo de oro, madrastra y hermanastras, hasta llegar a la francesa de Perrault, donde ya tenemos los zapatos de cristal y hadas madrinas, y que es la que se adapta en este clásico.

Cenicienta se convierte así en la segunda princesa de esta lista, también con madrastra malvada y los animales que ayuden a la protagonista. Incorpora como novedades una animación más pulida, de nuevo imágenes y fondos que parecen cuadros (y en algunos casos lo son), y varias características propias. Llaman la atención escenarios como el vestíbulo y habitaciones de la mansión, o el palacio, en el que todo es exageradamente grande, la torres, las puertas, los tapices, los muebles... lo que contribuye el sentimiento de pequeñez de la protagonista cuando llega al baile.

La propia Cenicienta tiene como rasgo definitorio su bondad y compasión, algo que supieron captar muy bien en el remake de 2015. La vemos preocuparse por los ratones, a los que viste y ayuda a salvar del terrible gato Lucifer, la vemos preocuparse por el propio Lucifer cuando este animal no tiene una idea buena, y hasta la vemos agradecida al Hada Madrina aun cuando ésta está olvidando claramente arreglar su vestido. Todo en este personaje es compasión, hasta el punto que puede llegar a ser frustrante cómo su madrastra y sus hermanastras se aprovechan de ella sin que ella tenga siquiera la malicia de considerar devolverles los insultos.

Hablando de la familia adoptiva, Lady Tremaine es una villana y madrastra diferente de la Reina de Blancaneives. No es una reina, apenas una noble de buena familia pero pocos recursos, y tampoco es una hechicera (no he visto las secuelas directas a vídeo, pero al menos en el concepto original, no lo era). Simplemente es una señora con muy, muy mala leche capaz de aprovecharse de una chica buena y algo ingenua hasta convertir su vida en algo parecido a la esclavitud, mientras malcría a sus propias e insoportables hijas. Lo terrorífico de Tremaine es que existe gente así en el mundo, capaz y dispuesta a aprovecharse de las buenas personas a cualquier oportunidad. También tiene ESA mirada de...

En fin, que se gana a pulso una buena posición en cualquier top de villanos Disney. Por suerte el drama de la existencia de Cenicienta se ve aderezado por las simpáticas aventuras de los ratones, especialmente de Jack y Gus, tratando de esquivar a Lucifer y ayudar a Cenicienta en todo lo que pueden, son los secundarios de lujo de la película, y es curioso darse cuenta de que Cenicienta habla y se entiende con ellos.

Las canciones, como el dibujo, son una delicia. Desde la primera canción, cuyo estribillo comienza esta reseña, y que vuelve a sonar en un par de ocasiones como principal tema de la película que es, al "cantó el ruiseñor" que comienza con Drisella desafinando para dejarnos después escuchar la voz de Cenicienta cantándola a coro con sus decenas de reflejos en las pompas de jabón. Es muy mítica la canción de los ratones cuando deciden que, ya que las hermanastras no dejan de dar tareas a Cenicienta para mantenerla ocupada y que no pueda preparar su vestido, deciden hacerlo ellos mismos y darle una sorpresa a la chica que tanto ha hecho por ellos. Y claro está, también el vals de amor y el inolvidable Bibbidi-bobbidi-buu del Hada Madrina.

Como pasa con todos estos clásicos más antiguos, tiene momentos que no han envejecido muy bien (ahí tenemos a la ratoncita que aparta a Jack de la tarea de coser cantando "eso es cosa de mujeres, tú adornos trae si quieres", que hoy día resulta bochornoso), pero son cosas de la época en que se hizo.

La parte de la cinta que personalmente me pone la piel de gallina es cuando, el vestido rosa que representa lo agradecidos que están sus amigos ratones es destrozado justo antes de ir al baile, y Cenicienta corre a llorar bajo un sauce en el jardín. La forma en el que suena de fondo, lenta, triste y a coro la canción inicial sobre los sueños, ahora destrozados, mientras sobre el banco en el que llora Cenicienta toma forma el Hada, sustituyendo la fría piedra por su regazo de consuelo, justo antes de dar paso a los milagros.

Claro que hay otra escena que es la más icónica de la cinta:

Es una pena, hay que señalar, lo difícil que resulta encontrar para los hispanohablantes la versión original en español neutro con la que se estrenó y que muchos gozamos en nuestra infancia en las ediciones en VHS. Tengo entendido que ni siquiera en Disney + está disponible, debiendo conformarnos con los redoblajes en español latino y castellano que a algunos nos chirrían un poco.

La película resultó todo un éxito de taquilla, marcando el estilo y rumbo del estudio en los años venideros. Sobra decir que ha sido galardonada varias veces, la mayoría honoríficamente (ningún Oscar, aun así), y que es una de las películas más recordadas no sólo de la animación, sino del cine en general. Si alguien duda del legado de esta película, sólo tiene que mirar la portada de esta partida/foro, para ver el Castillo de Cenicienta como centro de Walt Disney World en Florida. Claro está que era imposible construirlo como fiel reproducción a la etérea silueta de la película.

Con ella la primera etapa experimental había terminado, y la segunda era dorada de Disney daba comienzo.

Estuve años sin ver la película justamente por lo que comentas; porque la tenía en DVD con la "nueva" versión, donde el audio esta en castellano de España, no español neutro, y jamás la encontré en español neutro tal y como la tenía en VHS en la infancia. Me pasó lo mismo con Blancanieves y con la Bella durmiente. En Disney+ tenía esperanzas y fue de las primeras cosas que miré, pero no. Están en castellano o latino. La vi en latino porque las canciones se parecen más a las que recordaba. 

Es una película que recuerdo que de pequeña no me gustaba mucho porque no me gustaban las princesas, aunque la vi muchas veces porque a mi madre le encantaba. La vi hace poco (y sus dos continuaciones que, aunque mediocres, están divertidas y entretenidas), y me pareció una película exquisita y Cenicienta para nada era "tonta", tal y como yo decía de pequeña. 

La villana debería estar mucho más reconocida y sí, si no fuera por los ratones la película sería completamente dramática.

La escena que comentas, en la versión antigua, creo que decía "eso es cosa de mujeres, busca más quehaceres". 

No me había fijado en el detalle que comentas sobre la música del principio en el momento del vestido destrozado, pero cuanto significado <3

En fin, como siempre, un placer leerte :)

Gracias Irazzi.

Tengo entendido que el "destierro" del doblaje español neutro se debe a que la compañía Disney quiso dejar de pagar derechos al estudio y actores que realizaron aquel dobleje y por eso realizaron los redoblajes en latino y castellano. Ocurre también con la Sirenita. Aunque en el caso de ésta y de Blancanieves el doblaje castellano me gusta también.

En Cenicienta no está mal, pero cuando llega la canción del Hada y no dicen Bibbidi Bobbidi buu decidí que ese dobleje era una traición jajajja. La versión neutra aún puede encontrarse por algunos rincones de internet.

A ver si puedo ponerme con la próxima estos días. Es una película... maravillosa.

Oh, y de Cenicienta se me olvidó comentar algo importante. Fue la película favorita de Walt Disney de cuantas hicieron mientras él vivía, hasta el final.

Un año después del gran éxito de Cenicienta, en 1951, Disney estrenó el siguiente clásico basado en otro cuento, esta vez, uno bastante inusual, pero innegablemente maravilloso.

Ni qué decir tiene que esta historia es conocida ampliamente hoy día, y la mayoría cuando oye el título o piensa en dicha historia, no suele ser la novela de Lewis Caroll lo primero que viene a la mente, sino esta cinta animada, tal es el impacto que ha tenido en la cultura popular.

Si bien es cierto que parte de los entramados lógicos y matemáticos que Caroll introdujo, a veces disimuladamente, otras no tanto, en su "cuento infantil", quedan rebajados o desaparecen en la versión animada de Disney al tratar de alcanzar un mayor público y hacerla menos sobria, el tono surrealista que impregna el libro original esta fantásticamente trasladado a la atmósfera del fime.

La utilización de colores extravagantes, a veces chillones, a veces sutiles, tanto en fondos como en los personajes, complementa perfectamente los diseños inspirados en las ilustraciones originales de la primera edición del libro.

El propio Walt Disney llevaba años queriendo realizar su propia versión cinematográfica de la historia, ya antes de salir de Kansas para ir a Hollywood rodó una película de la temática combinando imagenes reales y animadas, que por desgracia no llegó a estrenarse. Tras Blancanieves, la crisis de la segunda guerra mundial pospuso aún más el plan, pero finalmente se pudo realizar la obra.

El realizarla completamente en animación fue un gran acierto, ya que hay cosas que no se podían hacer con los efectos prácticos de la época, o quedaban menos naturales. Aun así, se empleó la técnica de Live Action Reference ("referencia de carne y hueso") para dar movimiento natural a la animación.

Las escenas, sacadas del libro de Caroll, y algunas de su secuela "Alicia a través del espejo", son clásicos en sí mismos, así como unas cuantas canciones. El dodo cantando la carrera loca, que "empezó mañana, pero ayer se va a acabar", Tweedle-Dee y Tweedle-Dum cantando la historia de la Morsa y el Carpintero con las Ostras, el señor Don Oruga y sus vocales de humo, las cartas-jardinero pintando las rosas blancas de rojo, y por supuesto, el No Cumpleaños que cantan la Liebre de Marzo, el Sombrerero Loco, y el Lirón.

Sustituyendo la explicación original, en la que el tiempo está detenido a la hora del té, por la simpática explicación del No Cumpleaños, resulta una de las escenas más memorables.

Otras partes más fieles a la original inlcuyen el juego de Corquet con flamencos y erizos, o los aumentos y disminuciones de tamaño de la protagonista, los percances en casa del Conejo, o el inicio y el final de la historia.

El resultado final es una obra colorista, surrealista, muy entretenida, repleta de canciones entrañables, a veces graciosas, disparatadas, y a veces más sentimentales ("Yo sé muy bien, lo que debo hacer"). Cuando Alicia despierta y se da cuenta de que se ha quedado dormida escuchando la lección de Historia de su hermana, y de que ha sido todo un sueño, casi se siente decepción al volver a la realidad y terminar la película.

Personalmente es una de las películas que marcaron mi infancia, y siempre la consideraré la referencia en cuanto a adaptaciones de la obra original, por atrevida en su animación. La "continuación" que Tim Burton dirigió en 2010 no se acerca ni por asomo a la sensación de locura psicodélica de ésta. Existe una versión inglesa de los noventa, también con personas de carne y hueso, que es más fiel a la original, y que también adoro, pero ninguna consigue superar a ésta en belleza de imágenes, música y ritmo.

Cada vez que vuelvo a verla me siento muy identificado con la canción inicial de los rótulos: "Alicia vuelve a mí, quiero volver a tu país, a ese lugar de ensoñación, a ser feliz".

"Si acaso quieres volar, piensa en algo encantador"

En el clásico de animación estrenado en 1953, Walt Disney no adaptaba un cuento medieval, o una obra literaria renacentista. Esta vez se basaba en una obra de teatro, creada por Sir James Barrie, y cuyos derechos estaban en posesión del Hospital para Niños Great Ormond Street Hospital, al cual la cinta agradece el permiso para adaptarla y convertirla en la cinta con la que la inmensa mayoría de personas conocimos por primera vez la historia de Peter Pan.

¿Quién no soñó alguna vez de niño, y de no tan niño, con poder volar? ¿Con vivir emocionantes aventuras? ¿Con explorar una isla mágica? Luchar con piratas, bailar con los indios alrededor de la hoguera del campamento, conocer a las hadas y a las sirenas. No crecer nunca y tener que preocuparse por cosas de mayores, seguir para siempre esa dulce ilusión y juegos sin fin. No dejar que el tiempo pase. De eso va, en el fondo, esta historia.

Las cómicas interacciones del Capitán Garfio, el Cocodrilo, y el Sr Smee, las luchas a espada (y daga), los juegos continuos de los niños perdidos, el carácter de Peter Pan, tan infantil como se merece, desde la inocencia y la aplastante sinceridad a la irresponsabilidad. La sensatez de Wendy, la mayor de los hermanos Darling, los aires de caballero inglés de su hermano Juan, y la dulzura del pequeño Miguel, incluso los celos de Campanilla, redimida después, hacen de esta película un momento inolvidable tras otro.

Las canciones

The Second Star to the Right, Volarán, la de un pirata es la vida mejor, "Por donde tú vayas, y pases yo paso" (confesad, la habéis leído cantando, y seguramente continuándola), y la controvertida canción en la que los indios explican "Por qué decir él ¡Haow!", la cual hace que se marque esta película como culturalmente insensible vista con los delicados ojos de la actualidad (una exageración, en mi opinión).

La controversia

La ya mencionada escena de los indios. La letra de la canción en el inglés original es algo más comprensible que genere esa controversia para algunos. No sé el por qué de tanto alboroto, al fin y al cabo, son una tribu ficticia que representa el estereotipo, igual que los piratas. Ahí también puede haber controversia, cuando Garfio dispara a un pirata algo florecilla.

Las metáforas

Se deben todas a la obra original, pero se conservan. Los instintos primarios e impulsivos de Peter y Campanilla, el dejarse llevar de Juan y miguel, las broncas fraternales de los Niños perdidos, el miedo al paso del tiempo (Tic-Tac, cocodrilo) de Garfio, a envejecer. la responsabilidad y necesidad de pensar en la familia, de crecer, y de reconocerle a una madre todo su valor, fuerza y sacrificio. Las interpretaciones son infinitas, más cuando dependen del observador.

El Suavizante Disney

Aquí apenas perceptible. Peter y Garfio son sólo un poco menos sanguinarios (aún se oye al último varias veces querer "cortar el gañote"), al buen Capitán no se lo llega a comer el cocodrilo, sino que se va huyendo de él al final, y la pérfida artimaña de envenenar a Peter es sustituida por una bomba, lo cual nos priva de uno de los mejores momentos del original, cuando se hace participar al público para salvar a Campanilla. Sí conservaron el que Campanilla sólo emite el sonido de campanillas y se la vea, en ese momento, sólo como una luz tenue.

El reciclaje

Ya empezaba a haber casos del famoso reutilizado de dibujos "modificados" de películas anteriores. En este caso, de Alicia en el País de las Maravillas. La mujer india que manda a Wendy a por leña está dibujada sobre los rasgos y gestos de la Reina de Corazones, y la propia Wendy comparte las facciones de Alicia, si bien con otro pelo y otro vestido, o camisón. En el español neutro, de hecho, Wendy tiene la misma voz que le habían puesto a Alicia, por si alguien no veía la similitud.

Los otros

Hay más adaptaciones al cine y la televisión fuera del sello Disney, pero me permitiréis ser subjetivo y decir que para mí las dos que se llevan la palma son "Hook, el Capitán Garfio" (1991), con Dusntin Hoffman y Robin Williams, toda una delicia, muy nostálgica , traiciona un poco al personaje, pero resulta adorable y con hermosa moraleja.

Si queréis lagrimones, "Descubriendo Nunca Jamás" (Finding Neverland, 2004) cuenta la historia de cómo la escribió Sir Barrie, además de ser el origen de uno de los memes más famosos de internet.

Y la que para mí es la mejor adaptación hecha, superando incluso al clásico animado de Disney, "Peter Pan, la Gran Aventura", de 2003, que a estas alturas también es ya un clásico. En ésta última sí que supieron llevar bien al cine el momento de salvar a Campanilla.

La vuelta de tuerca

No haré Spoiler, pero la versión más distinta y atrevida de los personajes la he visto en la serie Once Upon a Time.

El momento

En la de Disney, para mí el momento pelos de punta es cuando echan a volar por primera vez, con la hermosa canción y el bellísimo dibujo, los cuatro niños y Campanilla volando sobre Londres hacia el País de Nunca Jamás.

El legado

Ciertas cosas de la película son ya iconos de Disney casi a la altura de Mickey Mouse. Específicamente, la alegre y traviesa Campanilla, y la imagen de la segunda estrella a la derecha, visible siempre desde hace 10 años como inicio del logo "moderno" de la compañía al inicio de cada película.

Y ahora, si queréis venir, sólo hay que pensar en algo hermoso, y volar hacia la segunda estrella a la derecha, todo recto hasta el amanecer, allí nos espera, el País de Nunca Jamás.

"Noooo tiene iguaaaal, esta noooooche especiaaaaal, la llamaaaamos beeeeella nooootte"

Confesad, en vuestra cabeza ha sonado con sus notas musicales. Sin duda una de las canciones más memorables de la lista de clásicos de Disney, es esta romántica melodía de acordes italianos es el tema principal de La Dama y el Vagabundo (Lady and the Tramp), el clásico estrenado en 1955. 

La película está basada en una novela de Ward Greene, y dedicada a todos los perros, sean Damas o Vagabundos.

La trama

Reina es una fina perrita querida y bien cuidada que vive con sus dueños en un barrio de clase alta. Su mundo se empieza a tambalear cuando sus dueños esperan un bebé, ante el temor de que ella quede desplazada. Es por entonces cuando conoce a Golfo, un vividor y aventurero perro callejero que se busca la vida aprovechando la buena voluntad de diferentes humanos, cada uno de los cuales le conoce con un nombre diferente (Fritzie para los Shultz, Mike para los O'Brian, Seductor para Tony el italiano), el cual le advierte de que dejará de sentir el afecto de sus dueños cuando nazca el bebé, y más adelante salva a Reina de tantos líos como en los que la mete. Ambos empezarán a sentir algo el uno por el otro, cambiando sus vidas y la imagen que tiene el uno del otro.

Las canciones

Además de la más que icónica y legendaria "Bella Notte" (en sus dos versiones, la de los créditos iniciales y la que se escucha durante la película), hay pocas canciones, y además no tan memorables, aunque ahí está Peggy y su "qué perrazo", pero destaquemos la canción de los gatos siameses por la mala leche que genera el recochineo de la detestable pareja de mininos.

La controversia

Ya que hablamos de ellos, se considera hoy en día un estereotipo ofensivo la escena de los gatos, por el acento chino y la imagen del "asiático ladino".

La escena famosa

Evidentemente, la escena de esta película que es historia del cine, muchas veces homenajeada, parodiada, o usada siempre como imagen e icono de la cinta, es la escena de la cena en "Tony's", y específicamente ese spaghetti que hace que se besen los dos protagonistas.

El trauma

Personalmente, la secuencia en la que nos presentan la perrera, entre las imágenes y los aullidos tristes, uf.

Los pelos de punta

De nuevo doy mi opinión, pero para un servidor la escena que no recordaba y me pareció destacable es cuando Golfo vuelve al oír a Reina y a petición de ella corre a enfrentarse a la rata que acecha al bebé, a sabiendas de que si le cogen acabará en la perrera y, con toda seguridad, será sacrificado. Es cuando vemos que a este vividor la delicada Reina ha conquistado su corazón.

Los detalles

Algunas partes están dibujadas haciendo un uso magistral de las sombras, especialmente cuando nace el bebé y cuando Golfo entra en la casa y combate con la rata.

El Remake

No lo he visto, tampoco tengo prisa por verlo. Algún día, tal vez.

Las novedades técnicas de Disney

La Dama y el vagabundo fue la primera película de animación estrenada en el formato "ancho" de CINEMASCOPE, aunque existen también versiones de la cinta adaptadas a pantalla estrecha, ya que no en todas las salas y pantallas podía proyectarse en el nuevo formato.

Además, por primera vez no fue distribuida por la RKO, sino por la nueva división distribuidora de Disney, Buena Vista Distribution.

El legado

Veremos más películas de romance entre animales siendo una de buena familia y otro de barrios bajos, veremos a más "golfos" que se las saben todas y se desenvuelven en las calles de la ciudad como pez en el agua, y también veremos (o no) la secuela directa al formato doméstico, protagonizada tengo entendido por el hijo que se parece a Golfo.

Por todas estas razones y algunas más, tiene un lugar asegurado en la historia del cine como el 15º largometraje entre los Clásicos de Disney.

A principios de 1959 se estrenaba un nuevo largometraje de Walt Disney Pictures, basado una vez más en un popular cuento de hadas, y sería el último de este tipo producido por el propio Walt. En esta ocasión, se adaptó un cuento con varias fuentes, tomando principalmente elementos de la versión de Charles Perrault, como ya hicieran con La Cenicienta, algunos detalles de la versión de los hermanos Grimm, y sobre todo el ballet de Tchaikovsky. Era el turno de La Bella Durmiente.

La historia

Cuando se celebra el nacimiento de la princesa Aurora y su compromiso con el príncipe Felipe, tres buenas hadas acuden a concederle dones a la niña, pero la la malvada Maléfica irrumpe, airada por no haber sido invitada, y lanza una maldición sobre la princesita: al cumplir los dieciséis años, antes de que el sol se ponga, se pinchará el dedo con la aguja del huso de una rueca y morirá. Sin embargo, una de las hadas buenas utiliza el don que le quedaba por conceder para atenuar la maldicón, en vez de morir Aurora quedará dormida en un profundo sueño del que despertará con el primer beso de amor.

Pese a esta corrección, se sigue intentando evitar que la maldición tenga lugar: todas las ruecas son destruidas por orden real y las hadas deciden hacerse pasar por campesinas y criar a Aurora en secreto en una cabaña en el bosque. Así transcurren los dieciséis años, mas quiere el destino que por casualidad Aurora, ahora conocida como Rosa, el día de su decimosexto cumpleaños se encuentre en el bosque con Felipe, y sin saber ninguno quién es realmente el otro, se enamoran inmediatamente.

No obstante, las "tías" hadas revelan a la princesa la verdad más tarde, y la conducen esa noche de vuelta al castillo. Pero Maléfica ha dado con la princesa y consigue que se cumpla su maldición. Desoladas, las hadas duermen al resto del reino para que despierten a la vez que la princesa. Entretanto, el príncipe Felipe había acudido de nuevo al encuentro de la doncella del busque, pero es capturado por los esbirros de Maléfica. Con la ayuda de las hadas, logra escapar, vencer a Maléfica y llegar hasta el castillo, donde con un  beso despierta a Aurora y al reino entero, sabiendo que ella es en realidad la joven del bosque de quien se había enamorado, y ambos bailan felices concluyendo el relato.

La música

La película no sólo toma del ballet compuesto por Tchaikovsky la trama de Perrault y los hermanos Grimm, sino que toma prestada la partitura de éste, adaptándola como banda sonora del largometraje y en ocasiones incorporándole letra. Esto hace que la banda sonora de ésta película resulte única comparada con otras historias de princesas de Disney, y sitúa la música más en consonancia con las películas-concierto como Fantasía, al contribuir a la divulgación de la música clásica. En todo momento se aprovecha la partitura para acompañar las situaciones, desde la tragedia al romance, a los gestos de las hadas, tanto los nobles como los más alocados.

Las canciones 

La más destacada es una de las que se diseñaron poniendo letra a la partitura del ballet, en esta ocasión con las notas de un vals con el que los protagonistas bailan, tanto en el bosque al enamorarse como al romperse la maldición. El original "Once Upon a Dream" (una vez en un sueño) fue traducido al español neutro con aquel "Eres tú, la dulce ilusión que yo soñé..." y un par de variantes.

También tiene letra la canción la presentación de la historia con el nacimiento de la protagonista:
"Dicha y riqueza
  salud y grandeza.
  Salve princesa Aurora.
  Salve al rey,
  salve a la Reina,
  salve princesa Aurora"

También se incluyen la  canción que una melancólica "Rosa" canta entre los animales del bosque que la acompañan, poco antes de conocer al príncipe, las breves pero hermosas canciones que suenan en coro cuando las hadas buenas pronuncian sus hechizos, y la siempre divertida "Copas, copas, miiiiiiiiil" que entonan los dos reyes, padres de la pareja, mientras el criado se harta a vino.

El dibujo  

Otro punto fuerte de esta cinta. Al empezar con el ya conocido recurso del libro de cuentos que se abre solo ante nosotros, se aprecian dibujos en el estilo artístico típico de los tapices, vidrieras, cuadros y libros del medievo, pero con la primera escena en movimiento se deja clara la intención de que toda la película aporte ese estilo, con vibrantes colores y líneas muy estilizadas, convirtiendo la película en un tapiz vivo inseparable del estilo medieval.

No, no es un tapiz medieval, es un fotograma de la película.

Tanto es así que llegaron a hacerse vidrieras recreando escenas del filme, pero dejemos eso para después.

Por lo demás, sigue siendo impresionante el uso de sombras, como en "la dama y el Vagabundo", añadiendo efectos de destellos esta vez sobre todo a la hora de mostrar los poderes desatados de una iracunda Maléfica, y los cambios de tono, como cuando al dormir las hadas a todo el castillo la escena entera se vuelve progresivamente de un verde apagado, junto con cada personaje afectado por el hechizo, y cómo vuelven los colores al romperse la maldición. Se emplearon también técnicas más atrevidas para las etéreas escenas de los dones concedidos por las hadas.

Cabe destacar además el diseño de personajes, que nos permite reconocer todo el tiempo a los dos reyes, distinguir en aspecto a las tres hadas además de en personalidad (no sólo con los tres colores, sino la altura y pequeñas variaciones en sus semejantes vestimentas), y que también es responsable de la presencia y el halo amenazador de la portentosa villana.

Los personajes

Empezando por Aurora, la Bella Durmiente que da nombre a la película, su personalidad más bien fojilla suele ser uno de los puntos más criticados de esta historia, y es que la pobre apenas aparece en pantalla para dar un paseo por el bosque, decir que quiere enamorarse, enamorarse, y después caminar cabizbaja de vuelta al castillo donde es himnotizada para que se cumpla la maldición, no se llega a desarrollar mucho su forma de pensar, sus aspiraciones más allá de encontrar un príncipe para casarse, ni un carácter propio, más allá de un alzamiento de ceja suspicaz que da a entender que sospecha que sus tías planean algo para ella o sus interacciones con los animalillos.

El príncipe, muy al contrario que en largometrajes anteriores como Blancanieves o Cenicienta, es más que solamente un galán, está dispuesto a desafiar a su padre y casarse con quien él cree que es una campesina porque de ella se ha enamorado, y destaca enormemente que acaba combatiendo contra los esbirros de Maléfica y contra ella misma, aportando un toque de acción inexistente en anteriores películas de princesas.

La interacción de los dos reyes y el criado-juglar resulta más alivio cómico que otra cosa, no obstante creo que los diálogos son divertidos y fluídos.

Pero personalmente creo que ocurre un poco como en Pinocho, y que los personajes supuestamente secundarios protagonizan más de la película de lo que parece, en este caso las buenas hadas Flora, Fauna, y Primavera, con personalidades diferentes y, en el caso de Flora y Primavera, chocantes entre sí, con sus discusiones, y también planeando y trabajando en equipo cuando lo que hay en juego es importante.

Pero aquí la que se roba cada fotograma en el que aparece es la villana. Uno de los personajes más carismáticos y un must en cualquier top de villanos de Disney (si es que no queda entre los tres primeros o la primera), es la autoproclamada Emperatriz del Mal, Maléfica.

Esta hada malvada utiliza su magia, en lugar de para cumplir deseos y hacer feliz a la gente, para lanzar maldiciones, realizar venganzas, y descargar todo el odio que puede. Su carácter varía entre una amenaza latente mientras se dirige con toda educación a los reyes, al más absoluto desprecio por todo en pleno ataque de ira, siempre con una risa malvada que pone los pelos de punta.

Escuché hace ya tiempo, creo que en boca del Crítico de la Nostalgia, que ésta señora tiene toda la mala leche de la madrastra de Cenicienta, pero además tiene un ejército de lacayos y poderes mágicos dignos de los mejores hechiceros. Lanza maldiciones, rayos, invoca bosques de espinos, se teletransporta, puede himnotizar, y convertirse en un dragón que escupe fuego. Ojito con no invitarla a vuestra fiesta.

El Remake

Por supuesto fue la popularidad de esta villana la que hizo que, a la hora de plantearse volver a contar esta historia con actores de carne y hueso, se pensase desde el principio en contar su historia y su punto de vista. Tras la marcha de Tim Burton, quien había comenzado el proyecto por interés personal, se fue remodelando hasta vaciar al personaje de esa maldad sin límites que exhibía en la cinta original, convirtíendola en una marginada pero con su corazoncito. No puedo decir que la dejaran sin carisma viendo la actuación de Angelina Jolie, así que lo podemos dejar en que la cambiaron a un carisma diferente.

Y la cosa funcionó de forma increíble en taquilla, tanto como para darle una secuela.

El suavizante

Hablando de cambiar detallitos de la trama, y volviendo a la película de 1959, suele decirse que éste es un caso de suavizante Disney, mas no es así. Cierto es que en una versión del cuento la Bella Durmiente es violada mientras sique dormida y queda embarazada, despertando sólo cuando ya ha dado a luz y uno de sus bebés, intentando mamar, le extrae de debajo de la uña la astilla que la sumió en el sueño. Sin embargo, en las versiones de Perrault y los Grimm no ocurre así, sino que Aurora despierta después de cien años de sueño junto con el resto del reino (el príncipe sólo pasaba por allí). Aunque en la cinta de Disney no llegan a pasar cien años, incorporan este elemento de forma muy original: es el malvado plan que Maléfica tiene para el príncipe cuando éste es su prisionero: liberarlo sólo cuando hayan pasado cien años. Así mismo, la maleza encantada que protege al castillo durante esos cien años es en esta película los espino que la villana hace crecer para impedirle el paso a Felipe.

En la obra de Perrault existe una trama posterior que involucra intentos de canibalismo y de asesinatos varios por parte de la suegra de la bella durmiente, pero en la versión de los hermanos Grimm se omitió esta parte tan escabrosa (muy curioso, dado el tono de muchos de sus relatos), y así lo dejaron también simplificado en ésta.

El doblaje

De nuevo, como en Cenicienta, y por la misma razón, es imposible encontrar el doblaje español neutro original en fuentes oficiales. Es una auténtica tragedia, especialmente por la voz de Maléfica, que pierde muchísimo poderío tanto en el redoblaje latino como en el castellano.

Además, en aquella versión repetía la voz del rey en Cenicienta, en esta ocasión como el rey Huberto, el padre de Felipe, y la voz del rey Estéfano volveríamos a oírla un par de películas después.

El legado

El principal y más evidente, el logo de Walt Disney Pictures, ese castillo sembrado de altas torres, inspirado en el castillo alemán de Neuschwanstein de la vida real, es supuestamente el mismo castillo del rey Estefano que se ve en esta cinta, con ciertas adaptaciones claro está.

Aunque ya estaba a medio construir en el momento de estrenarse la cinta, el castillo ubicado en el centro del Disneyland original en Anaheim  es llamado Castillo de la Bella Durmiente.

Y aunque en DisneyWorld en Orlando pusieron como centro el castillo de Cenicienta, cuando fueron a abrir Eurodisney, que acabaría convirtiéndose en Disneyland París, volvieron al concepto del castillo de la Bella Durmiente. No obstante, estando en francia y rodeado de castillos europeos reales, quisieron darle un toque más sublime, y vaya si lo lograron, con el Chateau de la Belle a Bois Dormat.

Este magnífico edificio incluye no sólo los árboles cuadrados de la película y la escarpada colina lateral, sino que cuenta con una cueva con dragón dormido (aunque no es Maléfica), y vidrieras que recrean de forma increíble escenas de la película.

Todo ello hace que el decimosexto de los clásicos de Disney sea una película más que imprescindible, que es conocida mundialmente y que supone para la mayoría la principal versión que nos viene a la cabeza al escuchar el título del cuento. O la música del ballet.

Volvía a ser el momento de innovar en 1961, con el 17º largometraje animado de los estudios Walt Disney. De nuevo volvíamos, tan solo unos años después, a historias de aventuras de perros parlanchines animados, esta vez basado en el libro de muy similar nombre de Dodie Smith. Se estrenaba 101 Dálmatas.

La historia

Dividida en tres bien diferenciadas partes, en la primera Pongo, un perro dálmata nos narra cómo consiguió que su dueño, el compositor Roger Raddcliffe, conozca y se enamore de una joven (¡Anita, querida!) que pasea por el parque con su perrita dálmata, Perdy. Somos testigos de la unión de ambos humanos y paralelamente a la de los dos canes, y una elipsis nos traslada a un momento en el que los cuatro viven juntos y Perdy está esperando dar a luz en unas semanas. Aquí se presenta Cruella De Vil, amiga de Anita y muy interesada en los futuros cachorros, los cuales los Raddcliffe no tienen intención de vender.

En el segundo acto, asistimos al nacimiento de los perritos (bueno, desde el punto de vista de Pongo y Roger, que esperan en la cocina), y cómo, al ser rechazada su oferta, Cruella envía a unos ladrones a robar a los 15 cachorritos. Desesperados, Pongo y Perdy recurren al Aullido Nocturno, una cadena de ladridos para transmitir noticias entre canes rápidamente. Así es cómo la noticia del secuestro llega hasta una granja al norte de Londres, en la campiña, donde una peculiar brigada animal descubre el paradero de los cachorros: La mansión de De Vil.

El tercer acto consiste en el rescate de los 15 hijos de Pongo y Perdy, junto con otros 84 cachorros adquiridos por la malvada Cruella, que pretendía hacerse unos abrigos de piel de dálmata. Los propios Pongo y Perdy logran ayudar en el rescate, y deciden adoptar a los restantes 84 perritos. El camino de regreso es dfícil, bajo una ventisca y con Cruella y los ladrones pisándoles los talones, pero finalmente logran volver a casa donde Roger y Anita aceptan encantados a los nuevos miembros de la familia canina en su hogar.

Los personajes

Los principales protagonistas son Pongo y Perdy, Roger y Anita y los 15 cachorritos.

Pero la que se roba cada escena en la que sale es la villana, Cruella. Como dice su nombre, cruel, loca, vengatica y rencorosa, y con un temperamento temible, sus ataques de ira y su descabellada manera de conducir su característico coche la hacen absolutamente icónica (como se ha visto recientemente).

La música

Es tan icónica Cruella, que tiene la única canción con letra del filme (ya sabéis cuál). Vaaaale, también canturrea Roger al final esa intención de tener una granja de dálmatas, pero no me comparéis. 

Además de la curiosidad de la falta de números musicales (tanto la canción de Cruella como la otra forman parte de las composiciones que Roger está elaborando), creo que es destacable el sensacional número de jazz que se nos marcan en los títulos de crédito iniciales, con animaciones muy dinámicas.

Los avances técnicos

La única razón por la que esta película pudo dibujarse es porque se incorporó la técnica de la xerografía, una especie de fotocopiadora mediante electrostática con la que pudieron multiplicar los dibujos de perros para alcanzar la enorme cantidad de canes mostrados en la cinta. Si ya sabíamos que lo de fotocopiar en Disney...

También se estrena un estilo más sencillo, de líneas estilizadas y con los fondos menos acabados, que permite ahorrar costes y centrar más la atención en los personajes, y que veríamos en algunos de los siguientes clásicos también.

El reciclaje

Los rasgos de Nanny son sospechosamente similares a los del hada Primavera de La Bella Durmiente, vemos reutilizados, o haciendo un cameo, a un varios personajes de La Dama y el Vagabundo en la escena del Aullido Nocturno (incluyendo a los propios Golfo y Reina), y alguna escena del sargento Tibbs, el gato que encuentra a los cachorros en Hell's Hall, está calcada de escenas de Lucifer en la Cenicienta (pese a la diferencia en la apariencia y... grosor de ambos felinos). Hablando de Tibbs, juro que la escena en la que se cuelga de la ventana al entrar en la Mansión la he visto en otra parte.

Los secundarios de lujo

Cruella es la humana que se roba cada escena en la que sale, al fin y al cabo una historia es tan grande como su villano, pero para mí los secundarios que más ganan al volver a ver la cinta son la brigada que descubre a los cachorros y comienza la operación de rescate, compuesta por un perro Coronel, un caballo Capitán, y un gato Sargento, que para mí es el héroe no reconocido de la cinta, pues es el Sargento Tibbs el que relaciona el secuestro con ladridos que ha oído en Hell's Hall, es quien se infiltra y localiza a los dálmatas, y entre los 99 a los 15 hijos de Pongo y Perdy secuestrados, y es quien, al ver que Gaspar y Horacio tienen intención de matarlos en poco tiempo, inicia la fuga mientras los bandidos están distraídos. Lamentablemente, sólo consigue ganar tiempo hasta que Pongo y Perdy llegan al rescate. Incluso cuando quedan acorralados pone a todos los cachorritos detrás suyo, aun estando aterrorizado. Además, creo que es el primer gato que aparece en los clásicos que no es mala gente.

Los pelos de punta

Como ya he dicho, los actos del Sargento Tibbs siempre me parecen heroicos, junto con la tensión que se vive dentro de la mansión De Vil en Hell's Hall, pero la secuencia que me conmueve más es algo más adelante, cuando Pongo y Perdy guían a los 99 cachorros a través de una ventisca, asegurándose de que ninguno se pierda, y son acogidos en una granja por un Collie y unas vacas que dan leche a los cachorros antes de que puedan descansar, justo antes del últmo tramo en el que deben burlar a los malos.

Es muy reconfortante ver las muestras de amabildad y apoyo después de lo mal que lo han pasado. Entre eso y lo rápido que responde la cadena de ladridos del Aullido Nocturno al ver lo grave de la situación, resulta conmovedor.  

Los remakes

Tenemos muy reciente la historia que pretende contarnos el origen de Cruella de Vil, tal y como pasaba con Maléfica, increíblemente rebajada de crueldad convirtiéndola en una persona comprensible, maltratada por las circunstancias y por gente realmente malvada. También como en aquel caso la tremenda actuación de la actriz protagonista, Emma Stone en este caso, hace que quiera perdonar la revisión y blanqueamiento del personaje.

Sin embargo en esta ocasión tenemos también un remake bastante más antiguo, de 1996, en la que, pese a adaptar la misma historia, también era la Srta De Vil la que se comía la pantalla, en este caso interpretada por una magnífica Glenn Close a la que muchos no podemos olvidar en esta caracterización.

Y, aunque no tienen tanto glamour ni se sale tantísimo de la pantalla creo que el cast y la caracterización que hicieron para el personaje en la serie de Once Upon a Time es excelente.

Tanto aquel primigenio Live Action como la original de dibujos tuvieron secuelas, y es previsible viendo el éxito de "Cruella" (2020) que se estén pensando hacer la continuación (ya tienen a sus Roger y Anita, Gespar y Horacio, los dálmatas... en fin parece que la cosa está bastante encaminada ya).

En resumen, una vez más el legado de la película es incuestionable y es un clásico de Disney por derecho propio.

"Un día sin rey Inglaterra quedó.

Y el pueblo rey buscó.

La guerra civil al país azotó

Y vacío el trono siguió

La joven nación, se sentía morir.

Y aquí un milagro surgió:

Una espada hundida en roca apareció.

La leyenda empezó"

Tras unos compases de música acompañando rótulos y créditos, y tras ver una vez más un libro de historias abrirse y desplegar sus páginas, estas potentes palabras, cual cantadas por un juglar, nos presentan el contexto de una de las historias más famosas de la literatura, arquetipo de leyenda medieval y relato imprescindible de las epopeyas de Gran Bretaña: la leyenda del Rey Arturo. Esta adaptación estrenada en 1963 a partir de un libro T.H. White narra una historia del joven Arturo, desde que conoce al mago Merlín hasta que se convierte en Rey al liberar el objeto que da nombre a la historia: La Espada en la Piedra (The Sword in the Stone), aunque en España conoceríamos la película como Merlín el Encantador.

La historia

Merlín, el mago más poderoso de todos los tiempos (según su propio criterio), predice que el destino va a enviarle un muchacho para que le guíe hasta el lugar que le corresponde por derecho en el mundo. Así es como conoce al joven Arturo, apodado Grillo, y decide asumir el papel de su mentor, ayudado por Arquímedes, un Búho sabio y cascarrabias.

Para realizar sus enseñanzas de forma continuada, Merlín se traslada al castillo de Sir Héctor, donde el muchacho vive y trabaja desde que el noble le acogió. Mediante su magia, Merlín tratará de enseñar a Arturo el valor de la inteligencia sobre la fuerza bruta, lo poderoso y caótico que resulta el amor, y el uso de la inteligencia y el talento para el bien.

Las escenas

La película está dividida en segmentos tan claros, que organizaré la reseña siguiendo ese esquema, mencionando personajes y canciones de cada una.

El Bosque:

En la primera parte, conocemos a Merlín y a Arquímedes, la profecía de la llegada de Grillo, cómo se conocen y se ponen en marcha. La canción de esta escena es la maravillosa forma que tiene Merlín de hacer las maletas, reduciendo absolutamente todos los libros, maquetas, experimentos, e incluso muebles, todo lo que tiene en su cabaña del bosque, para poder llevárselo en un pequeño maletín.

Destaca como personaje robaescenas, la azucarera encantada, que no deja de echar azúcar si no se le dice, y que es algo violenta con el resto de la vajilla. También está el lobo famélico que no para de perseguir a Grillo, otro toque de comedia.

Agua

La primera de las lecciones de Merlín consiste en convertir a Arturo y a sí mismo en peces y explorar el foso del castillo. 

Mientras aprenden a aletear, Merlín enseña al Grillo sobre la dualidad del mundo con otra canción icónica de la cinta: "contra y pro, sí y no, lo que al mundo da sabor". Tras una escena de acción y tensión huyendo de un enorme pez con dientes de sierra, resuelta por la intervención de Arquímedes, Grillo es castigado por Sir Hector por llegar tarde y al no creer éste la historia de lo que ha sucedido. Pero Merlín hechiza los platos que el chico debe fregar para que se laven solos, siguiendo un frenétco ritmo de jazz con notas de la canción de empacar, pero sin letra.

Tierra

Para la segunda lección, Merlín y Grillo se convierten en ardillas, saltando de rama en rama por los árboles.

Sin embargo, en vez de una lección de supervivencia, de sortear enormes caídas desde lo alto, la lección acaba siendo sobre lo incontrolable que puede ser el sentimiento del amor, cuando un par de ardillas se enamoran de ellos (ambas, las robaescenas de esta secuencia). La situación resulta cómica al principio, junto con la canción que canta Merlín al respecto. Después podemos ver que la ardilla enamorada de Arturo es además valiente, salvándole del lobo famélico, pero finalmente todo se torna agridulce cuando vuelven a ser humanos y dicha ardilla queda con el corazón roto.

- Sabes, hijo, este asunto del amor es muy potente, muy fuerte.

- ¿Más fuerte que la fuerza de gravedad?

- Pues... sí hijo, en cierta forma sí. Yo diría que en este mundo, no hay otra fuerza que lo iguale

Por supuesto, en Disney jamás habrían adaptado la posterior historia del Rey Arturo tal cual es la leyenda, adulterios incluidos, pero es irónico pensar en esta temprana experiencia con los desamores, que serían finalmente la causa de la caída del Rey Arturo.

Aire

Tras una confrontación a causa del hechizo de la cocina, Arturo es castigado con lo que más podía dolerle: ya no irá con Sir Hector y Kay a la justa celebrada en Londres en Año Nuevo.

Merlín anima al muchacho a seguir estudiando y usar lo aprendido para recuperarse. Sin embargo, ante las objecciones de Arquímedes con sus métodos, deja al Búho hacerse cargo de la educación del niño. Tras comenzar a aprender a escribir, Grillo es transformado en gorrión y el Búho le enseña a volar. Pero tras ser perseguidos por un halcón, termina encontrando en el bosque por accidente la cabaña del personaje a destacar de este segmento, y tal vez de la película. La villana del filme. La loca, fantástica, clásica, Madame Mim.

La bruja loca canta una canción para demostrar sus habilidades y se propone destruir a Arturo, pero Merlín llega a tiempo y ella le desafía a un duelo de magia.

El Duelo

Olvidaos de Dumbledore y Lord Voldemort, de Gandalf contra Saruman. El mejor duelo de magia del cine es entre éstos dos:

Mim y Merlín se van transformando en diferentes animales, hasta que finalmente Merlín demuestra lo que ha estado intentando a enseñar a Arturo todo este tiempo: se ganan más batallas usando la inteligencia y el ingenio que la fuerza bruta sin más. Mientras que Mim elige transformarse en un enorme dragón escupefuego cuando cree que va a perder, Merlín la vence transformándose en un microbio y haciéndola enfermar.

Sin embargo, tras esta victoria nombran al Grillo escudero de Kay, y Merlín se siente decepcionado con que el chico no aspire a más, sin comprender que un huérfano sin linaje no tiene más oportunidades que ésa para ser alguien en aquella época. Enfurruñado, el mago se marcha repentinamente.

El milagro

Se celebra la justa de año nuevo en Londres. Esta vez, el ganador será nombrado Rey, pues el país lleva años sin gobernante y nadie ha conseguido jamás sacar la legendaria espada de la piedra.

Eso cambiará cuando Grillo se de cuenta de que ha olvidado en la posada la espada de Kay, y al no poder entrar a por ella, saque la espada de la piedra. Después vuelve a demostrarlo delante de todos los incrédulos. Sólo Arturo es capaz de volver a sacar del yunque la espada con el grabado:

"Quien sacare esta espada de esta piedra, será por derecho rey de toda Inglaterra"

De esta forma, Arturo es nombrado Rey. No obstante, se siente perdido y no quiere aceptar su destino, pero por suerte, Merlín regresa para guiarle en lo venidero.

La técnica y el reciclaje

Rodada con un presupuesto bastante bajo si lo comparamos con anteriores clásicos, la película utiliza prácticamente el mismo estilo inacabado de 101 Dálmatas, con dibujos esquemáticos y pintados en ocasiones esbozados. La animación es bastante fluida, pero hay reciclaje de escenas tanto de otras películas (el brindis de los reyes de La Bella Durmiente, por ejemplo), como de dentro de la propia película.

Sin embargo el diseño de personajes es fantástico, podemos reconocer a Merlín y Arturo cuando cambian su forma por diferentes animales, y todas las transformaciones sucesivas de Merlín y Mim, denotan un mayor esfuerzo en la animación.

El legado

Esta película dio al famoso mago su apariencia más icónica, utilizando claves simples: túnica y gorro puntiagudo azules, barba blanca.

Es también destacable lo anacrónico que es, haciendo siempre referencia al futuro, el cual ha visto y visitado, aunque luego no disfrute demasiado de sus vacaciones en las islas Bermudas del Siglo XX. Tal vez este humor lleno de anacronismos influyese unos 30 años después a la hora de crear otro personaje muy mágico y muy azul...

En cualquier caso, la apariencia del mago, y la imagen de la espada clavada en la piedra y el yunque, son auténticos iconos no sólo de Disney, sino del cine.

Personalmente, creo que es el VHS que más veces ha rodado para mí en mi infancia. Me gusta creer que esta representación de Merlín influyó algo en mi decisión hace ya algunos años de convertirme en profesor. 

Aunque éste número 18 no es uno de los clásicos más famosos, tiene un lugar especial en mi corazón. Es una película con mucha magia, de la buena, y mucho encanto.

Mi película favorita de Disney! 

Una posdata sobre Merlín el Encantador que olvidé poner en la propia reseña.

El meme

El búho Arquímedes es en esta película una fuente inagotable de memes y gifs, tanto por su carácter enfurruñado, como por la escena en la que se pasa un buen rato partiéndose de la risa a costa de Merlín.

La competencia

Hay muchas otras películas sobre la historia del Rey Arturo, desde la mítica Excalibur de los ochenta, a la miniserie Merlín protagonizada por Sam Neill, series de televisión, películas modernas con más licencias... etc.

Pero creo que la que más podría ser "la competencia", o incluso la continuación ideológica de "merlín el encantador", es la muy posterior pero también animada película de Warner Bros. "La espada mágica (Quest for Camelot)". Una joyita no-Disney que también merece mucho la pena, con canciones muy chulas.